Entrevista: artista Jane Lee
La artista de Singapur Jane Lee es conocida por su trabajo innovador en pinturas. Continuamente gira el medio tradicional sobre su cabeza, explorando nuevas posibilidades para presentar pinturas como obras de arte sin restricciones por los límites del lienzo.
Por su reciente residencia en el Tyler Print Institute (STPI) de Singapur, Jane se tomó un descanso de la pintura en favor de experimentar con otros medios, y ha creado un nuevo cuerpo de trabajo que sorprenderá y deleitará al público familiarizado con sus trabajos anteriores.
Art Republik se sienta con Jane para descubrir más sobre su amor por la pintura, la evolución de su trabajo a lo largo de los años y su espectáculo "Freely Freely" en STPI, que se presentará durante la Semana del Arte de Singapur a principios de este año.
Estado, 2009
¿Cómo ha evolucionado tu trabajo a lo largo de los años? ¿Qué cambia tu trabajo de pieza en pieza?
No tenía idea de que me convertiría en un artista a tiempo completo; Había querido convertirme en diseñadora de moda. De todos modos, comencé con la pintura. La idea de pintar es que es un objeto bidimensional en la pared, pero gradualmente vi mi pintura como instalaciones. Para mí, la pared en la que está montada la pintura es parte del trabajo porque todo lo que está alrededor de la pintura interactúa con ella.
¿Qué hace que la pintura sea un medio tan convincente para trabajar?
Me gusta el color y me gusta la sensación de jugar con la pintura. Incluso el olor a pintura me atrae. Hace unos 10 años, cuando tomé en serio la pintura, comencé a preguntarme cuál era la esencia de la pintura. Me pregunté si había otras formas de hacer pinturas, y miré el proceso tradicional y las técnicas que se utilizaron para hacer una pintura. Así es como comencé a jugar con el medio.
Pájaros enjaulados, 2015
¿Podrías guiarnos por el proceso de creación de una obra de arte, desde el concepto hasta la ejecución?
Soy una persona muy práctica. Cuando comencé a pintar de la manera tradicional, planeé mucho y me sentaba y creaba composiciones para mis obras. Todo esto cambió en 1999, cuando fui a Londres para obtener más información sobre el arte contemporáneo. Asistí a un taller donde el profesor arrojó pintura sobre papel en el piso e instruyó a la clase para que simplemente jugara. Eso fue una revelación para mí. Y eso se convirtió en lo que quería hacer. Me di cuenta de que cuando planificara todo, realmente no habría vida en el trabajo. Comencé a ir más con mis instintos y a jugar.
¿Cómo saber cuándo se completa una obra de arte?
Supongo que una obra de arte nunca se puede terminar realmente. Si un trabajo me habla, ya está hecho. Es más emocional que intelectual. Hablo mucho con mi pintura. Es un proceso interactivo. Las pinturas están vivas, aunque no hablan. Tienen ciertas tendencias. Hay algún tipo de negociación entre el artista y la obra en el proceso de hacer arte.
Libérame VI, 2015
¿Cómo eliges las herramientas que usas para hacer tus obras de arte?
Tradicionalmente, las pinturas se hacen con pinceles, y la mayoría de las veces cuentan una historia. Encuentro herramientas de mi vida diaria, como utensilios de cocina, para hacer mi arte.
¿Podrías guiarnos por el proceso de hacer una obra de arte?
Bueno, por la mañana, cuando llego a mi estudio, puede que me sienta muy feliz y quiera usar el rojo brillante, pero a medida que avanza el día, y tal vez estoy escuchando canciones, entonces mi estado de ánimo puede cambiar, y luego mi pintura puede resultar un poco oscuro. No me gusta obligar a que pase nada. En cierto modo, el desarrollo de un trabajo depende de cómo me sienta en un día en particular.
¿Cuánto tiempo te lleva completar una obra de arte?
Para grandes obras, puede llevar de seis meses a un año. A veces, trabajo en una pieza y, a la mitad, no hay flujo de energía, por lo que lo dejaría a un lado por el momento y volvería a ella más adelante.
Enrollado VI, 2015
¿Desechas alguna obra?
Muchos.
¿Cómo decides qué guardar?
Solo lo sabes
¿Es el proceso de hacer que su obra de arte sea más importante que el aspecto del producto final?
Yo diría que si está fuera del 100%, el proceso cuenta con el 80% y el producto final cuenta con el 20%.
¿Quieres que la gente sienta curiosidad por el proceso?
Por supuesto. Sería genial mirar más allá de la superficie y los colores. Quiero hacerles hacer más preguntas sobre la pintura como medio y sobre el proceso de hacer una pintura.
100 caras, 2014
¿Podrías hablar de tu rutina diaria como artista?
Comienzo mi día con yoga y meditación. Eso es importante para mantenerme más en sintonía conmigo mismo. Luego voy a mi estudio y empiezo a trabajar. La forma en que trabajo depende de los plazos que tengo. Si tengo prisa y tengo que trabajar muy intensamente, digamos para una exposición individual, me negaría a volver al estudio después por un tiempo bastante largo. Dicho esto, mi mente siempre está pensando, mirando a mi alrededor, buscando inspiración en mi vida diaria, ya sea en una caminata matutina o en una conversación con alguien.
¿Buscas inspiración para ir al museo o asistir a las exposiciones de otros artistas?
De hecho, evito ver demasiado las obras de otros artistas. Si ves demasiado, a veces ciertas cosas que me gustan se filtrarán inconscientemente en mi trabajo. La vida diaria es mi fuente de inspiración, ya sea de una caminata matutina o de una conversación con alguien. Cosas que veo a mi alrededor, lo que la gente dice: estas son las pequeñas cosas que son mi fuente de inspiración.
¿Tuviste artistas a los que admirabas cuando empezaste?
Ese sería Robert Ryman. Lo fascinante de él es que no es pintor por formación. Creo que debido a que no tiene la carga de saber lo que debe hacer un pintor, puede inventar sus refrescantes obras de arte.
Despertar, 2015
¿Pero crees que es importante aprender primero lo básico?
Creo que el conocimiento fundamental puede ser útil para un pintor al proporcionar conocimientos técnicos, como la mezcla de colores. Sin embargo, una vez que se aprenden estas habilidades, es probable que solo cuando se eliminen se pueda crear algo nuevo.
¿Qué viene primero: los títulos de tus cuadros o los cuadros mismos? ¿Cómo funcionan los títulos, como 'Status' (2009) que se encuentra en la colección permanente del Museo de Arte de Singapur o '100 Faces' (2014), que se muestran en su exposición individual en la Galería Sundaram Tagore, Singapur, junto con sus pinturas para comunicarse con la audiencia?
Con "Estado", estaba cuestionando el estado de la pintura. Uno de los curadores de la Bienal de Singapur 2008 me dijo que sería el único pintor que expondría. Esa conversación se quedó conmigo. Me pareció sorprendente que hubiera tan pocos pintores en la escena artística cuando la mayoría de los artistas probablemente comenzaron a formarse como pintores. Entonces pensé que tal vez pintar como médium estaba muerto y que ya no había espacio para jugar. La obra de arte es una exploración del estado de la pintura en la escena regional del arte contemporáneo.
Con "100 caras", recuerdo haber pensado que la gente estaba ansiosa por mostrar grandes cuadros que eran muy pesados. Decidí dividir mi trabajo en 100 piezas más pequeñas y menos pesadas que podrían juntarse en una gran pintura. Además, también fue un comentario sobre cómo una pintura podría tener muchas caras, o que podría haber muchas formas de crear una pintura, y además que las personas tienen diferentes personajes que emergen en compañía de diferentes personas.
¿Compartes estas historias sobre la creación de estas obras de arte con la audiencia general?
Normalmente, no compartiría, aunque si la gente preguntara, estaría encantado de hacerlo. No quiero imponer demasiado al espectador y dictar lo que ven en las obras de arte.
Solo un momento, 2015
Permítanos hablar sobre sus nuevos trabajos en STPI, que no se centran en pinturas. Es una nueva dirección para ti. ¿Es esta una decisión consciente?
Había querido salir de la pintura por un tiempo, pero no había encontrado ninguna excusa para hacerlo. Pensé que esta sería una buena oportunidad para explorar todo menos pintar, y hacer un buen uso de las instalaciones de STPI. Fue un buen momento que fui invitado en este momento.
¿Por qué el título "libremente, libremente"?
Quería un título positivo para el espectáculo. Mi enfoque para hacer mi arte es feliz. Estar atrapado y ser libre son dos temas en la exposición. Con la serie "Enrollado", por ejemplo, el proceso de enrollar el papel puede dar la sensación de estar atrapado. Los pasadores en las bobinas dan una expresión visual más fuerte de estar atrapado. En algunas de las obras, hay pájaros sentados en los pasadores, que podrían verse como símbolos de libertad.
Aparte de los trabajos en papel, también trabajaste con acrílico en el show. ¿Cómo llegó a ser eso?
El equipo de STPI está muy abierto a las ideas. Decidí experimentar libremente y he incluido video y animación, así como papel combinado con otros medios, como papel con sonido y papel con acrílico.
¿Cómo ha impulsado el equipo de STPI tu práctica artística?
Durante la mayor parte de mi carrera, he trabajado solo en mi estudio. A menudo, cuando tengo estas pequeñas ideas locas, si soy yo solo, sería difícil y puede llevar más tiempo y no consigo trabajar en ellas. Trabajar aquí en STPI me ha sacado de mi zona de confort. El equipo capaz de personas aquí me ayudó a generar ideas y ver posibilidades, y mis ideas se pudieron realizar en muy poco tiempo.
¿Crees que después de este espectáculo, abordarás tu práctica de manera diferente?
Soy un pintor de corazón, y todavía hay espacio para jugar con la pintura. En cuanto a qué tipo de pintura y si será similar a lo que he estado haciendo, no estoy seguro. Lo que he descubierto aquí en STPI ciertamente tendría algún impacto, pero realmente no puedo responder en este momento qué haría. Me gusta la idea de no saber. Si ya lo sé, no lo haría. Quiero entusiasmar y deleitar al espectador, pero para hacerlo, primero tengo que hacerlo por mí mismo.
Créditos de la historia
Texto por Nadya Wang
Este artículo fue publicado originalmente en Art Republik.
Imágenes cortesía de STPI
