Shinro Ohtake habla sobre la exposición STPI Gallery

Una vaca roja y blanca se encuentra en un campo amarillo brillante con la sugerencia de una montaña verde bajo un cielo azul celeste muy lejano en el horizonte. El llamativo trabajo, titulado 'Pasture', que se extiende a lo largo de cuatro metros de ancho, es una de las dos pinturas de pulpa de papel a gran escala producidas por Shinro Ohtake en el taller del Instituto Tyler Print de Singapur (STPI) durante su residencia en 2015. Es parte de la Exposición individual del artista japonés, 'Paper - Sight', en la Galería STPI hasta el 5 de noviembre de 2016.

Shinro Ohtake. Foto de Christopher Chiam. Imagen cortesía de STPI.

Ohtake es probablemente mejor conocido por sus trabajos de ensamblaje, aunque su práctica artística incluye dibujos, pinturas, fotografías, música y videos. Su serie "Scrapbooks", que comenzó en 1977, es una recopilación de fragmentos y piezas acumuladas de la vida urbana y los medios de comunicación en álbumes de recortes escultóricos. ‘Scrapbooks # 1-66’ se vieron por última vez todos juntos en ‘The Encyclopaedic Palace’ en la Bienal de Venecia en 2013.

A principios de 2010, el artista completó una especie de álbum de recortes arquitectónico con ‘Naoshima Bath‘ I ♥ 湯 ’’, una casa de baños completamente funcional con componentes eclécticos juntos, que incluyen impresiones eróticas del período Edo ‘shunga 'y una escultura de elefante de tamaño real. Esto fue encargado por Benesse Art Site Naoshima, en la ciudad isleña que se considera la meca para los amantes del arte contemporáneo. En su residencia en el Taller STPI, Ohtake continuó su trabajo de álbum de recortes con el "Libro n. ° 1 / Recuerdos en capas", un álbum de recortes escultórico de 320 páginas compuesto por 160 obras de arte individuales llenas de una explosión colorida de imágenes vertiginosas y símbolos que pesan 130 kg.

"Libro n. ° 1 / Recuerdos en capas" (Detalle). © Shinro Ohtake / STPI.

Ohtake pudo explorar la creación de arte en papel a una escala sin precedentes con la ayuda del equipo y el equipo disponible en el Taller STPI. "Había tenido mucha curiosidad sobre el arte en papel durante mucho tiempo y lo había estudiado a través de libros, pero no sabía cómo hacerlo en realidad", dice Ohtake. "La última vez que hice algo relacionado con la impresión, como serigrafía y grabados, fue en la escuela de arte hace muchos años".

Por primera vez, usó un cucharón en lugar de un pincel para crear pinturas de pulpa de papel a gran escala, incluyendo "Pasture" y "Yellow Path 1". Tamae Iwasaki, oficial superior de educación de STPI, explica el proceso. “Comenzamos preparando una enorme base de papel blanco. Luego preparamos los colores muriendo pulpa de papel, que es blanca, con diferentes pigmentos de amarillo, rosa, etc. ”, dice Iwasaki. “La pulpa de papel es bastante física, no como la tinta. Ohtake tuvo que recoger la pulpa de papel teñida para aplicarla en la base.

Trabajando a un ritmo rápido durante su residencia, Ohtake produjo 140 obras, tanto únicas como editadas, en solo cinco semanas. Lo que más disfrutó el artista fue la velocidad a la que sus ideas se podían realizar, y estaba ansioso por aprovechar al máximo la situación única. "Por lo general, hago un plato, y lo envío a las impresoras y espero y ellos envían la impresión, así que hay una especie de línea de tiempo", dice Ohtake. “Pero en STPI, no hay una línea de tiempo. Aquí, hago un plato, y puedo ver la impresión a la mañana siguiente. Creo que es realmente emocionante, por lo que fue fácil hacer muchos trabajos ".

Las obras amarillas principalmente fluorescentes, incluso los marcos son amarillos, tienen un impacto visual mientras uno camina por la Galería STPI. Obras como 'Yellow Sight 1', 'Square Landscape' y 'Smell' son la respuesta del artista al terremoto de magnitud 9.0 de marzo de 2011, el más fuerte en la historia de Japón que sacudió la costa noreste de Japón, lo que provocó un tsunami que destruyó a miles de casas. Estos desastres naturales causaron daños a los reactores en la planta de energía nuclear Fukushima Daiichi de la Compañía de Energía y Electricidad de Tokio, causando un tercer desastre, con materiales radiactivos que se escapan al medio ambiente.

‘Smell’, 2015, ‘Paper - Sight’ de Shinro Ohtake, técnica mixta, 122 x 96 x 6 cm. © Shinro Ohtake / STPI.

El color amarillo es una referencia al uranio, un metal radiactivo, que también se llama torta amarilla, y el impacto devastador que los desechos radiactivos han tenido en la vida de los japoneses. Sin embargo, el artista no difunde el vínculo entre uranio y amarillo que motivó su uso del color en estas obras. Ohtake dice: “En este espectáculo, el color amarillo está conectado al problema radiactivo que tenemos en Japón. El color fluorescente es un color radiactivo para mí. Esa es una razón por la que las obras son amarillas. La gente puede ver lo que les gustaría, por supuesto. A veces las cosas peligrosas también pueden ser realmente hermosas ”.

Después de los devastadores desastres, Ohtake se sintió en desacuerdo con el estado de las cosas, lo que condujo a trabajos como "Light in the Forest 1" y "Indigo Forest 10". Estos están compuestos de grises azulados que parecen antitéticos a las otras obras de la exposición. Los bosques índigo se basan en su memoria del bosque que encontró en Kassel, Alemania, cuando estuvo allí para exhibir la obra 'Mon Cheri: un autorretrato como un cobertizo desechado' en la Documenta 13 en 2012. Fue un intento emocionalmente tiempo para el artista."El bosque funciona a partir de mi memoria, y no es un lugar en particular, sino un bosque en mí que extraigo de mi memoria", dice Ohtake. “Creo que muchos artistas japoneses perdieron su confianza después de los accidentes. Fue en este momento que comencé a pintar bosques de memoria usando pintura al óleo, sin ningún propósito realmente. Entonces, el bosque de la memoria, o el bosque índigo, es realmente importante para mí.

Los recuerdos son clave para las obras del artista. Estos pueden ser recuerdos personales o recuerdos de otros. “Un objeto encontrado es un recuerdo que pertenece a alguien. Encontrarlo es un encuentro con la memoria de alguien ", dice Ohtake. Cuenta cómo tuvo la idea de armar sus álbumes de recortes. “Cuando tenía 21 años, estaba en un mercado de pulgas en Londres y conocí a un tipo que vendía cajas de fósforos y algunos libros con cajas de fósforos pegados en ellos. No estoy seguro de si él había hecho esto o si alguien más lo había hecho ", explica Ohtake. “Cuando revisé estos libros y revisé mi propio trabajo, en el que ya había pegado y pegado involuntariamente cosas, descubrí lo que tenía que hacer. El encuentro fortuito fue el comienzo de los álbumes de recortes.

Algunos trabajos en la exposición, como "Black Wall", presentan discos de vinilo recopilados en Singapur, que el artista considera también recipientes de recuerdos. Se utilizan como planchas para imprimir y también como componentes añadidos en la obra de arte final. "El disco de vinilo en sí mismo es también un recuerdo de un sonido en el pasado", dice Ohtake. “Alguien lo grabó. El punto común es que no podemos ver ni oler el sonido y la materia radiactiva, pero están ahí ”. Las inquietantes obras, con los discos de vinilo atrapados en un amarillo espeso y pastoso, parecen aludir a las indescriptibles consecuencias del desastre nuclear con el que el artista tuvo que aceptar.

Las obras en la exposición, algunas en índigo apagado y la mayoría en amarillo impactante, cuando se ven juntas, revelan el funcionamiento interno de la mente del artista: a su vez sereno y conflictivo. Su obra ha demostrado esta dualidad durante mucho tiempo. El artista dice: "Me han dicho esto durante 40 años. Al salir, gran parte de mi trabajo parece bastante caótico, pero también me gustan los espacios simples y las cosas. La gente a menudo me pregunta por qué también hago estos trabajos bastante minimalistas, y es imposible de explicar. Estos opuestos coexisten dentro de mí ".

Este artículo fue publicado en Art Republik.