Entrevista: Uji 'Hahan' Handoko
Nacido en 1983 en Kebumen, Uji ‘Hahan’ Handoko comenzó en la Facultad de Bellas Artes del Instituto de las Artes de Indonesia en Yogyakarta. En un agitado 2008, fue nombrado finalista entre los primeros 30 años por el Premio de Arte Soberano, y realizó el programa de artista en residencia de National Art Studio en Seúl, Corea. Algunos de sus espectáculos más prolíficos incluyen, ArtJog14, Jogjakarta (2014); La 7ª Trienal de Arte Contemporáneo de Asia Pacífico (2012); Galería Nacional de Indonesia, Yakarta (2011); Galería Primo Marella, Milán (2011); Feria Internacional de Arte de Corea, Seúl (2010); Kedai Kebun Forum, Yogyakarta (2010); Biennale Jogja X, Yogyakarta (2009) y Havana Biennale, Cuba (2009).
Siempre descrito en una ráfaga de adjetivos sin aliento: audaz, descarado, excéntrico, rebelde, punk ... El artista multidisciplinario, se caracteriza por una energía inquisitiva efervescente, siempre cuestionando, siempre empujando los límites de lo que es posible. Uno de los aspectos principales de su trabajo, se caracteriza por las dualidades entre las percepciones de "alto arte" y "bajo arte". Enterrando el realismo con capas sobre capas de ornamentación dramática, su obra representa la ruptura entre la urbanización y el agrarismo, Oriente y Occidente, lo local y lo global. Hahan despliega su película, música callejera, influencias del pop en un lenguaje visual idiosincrásico que se combina como una escaramuza desenfrenada en el lienzo, colores llamativos que tiene una habilidad conocida para extenderse sobre sus contornos. El "coloreado fuera de las líneas" se suma al movimiento y la espontaneidad que es característico de su producción.
Serie Trinity, 2015
Un verdadero artista pop, busca constantemente reinventar formas de actualizar sus ideas: desde convertirse en cantante en la banda colectiva de artistas punk de vanguardia Punkasila; su rechazo al lienzo, experimentando en medios y sustratos no convencionales; entretejiendo cuestiones meta-políticas metaflexivas complejas y autorreflexivas en compuestos de "frente baja" pero complejos; Colaboración en una línea de ropa con la marca australiana de césped artificial Hurley International, en su determinación de hacer que su arte sea accesible a su comunidad tanto como sea posible. Hahan parece estar encabezando un trastorno por su cuenta. Art Republik se pone al día con el artista rebelde para ver qué pasa.
Su trabajo reúne una variedad de sus influencias: cine, música y cultura callejera en un lenguaje visual distinto. ¿Son las narraciones e historias algo en lo que piensas en tu práctica?
Cada una de las influencias que ha mencionado tiene un lenguaje diferente para contar una idea. Si solo combino la forma visual y cómo se usa, puede que no difiera entre sí. Más que eso, quiero excavar debajo de la superficie, incluido su trasfondo cultural y social, luego combinarlo con mi propio punto de vista para convertirlo en mi propio lenguaje visual.
La gente ha caracterizado su trabajo como una lucha continua entre el arte "alto" y el "bajo", cuestiones de polaridades entre Oriente y Occidente, local y global: ¿qué hay de dualidades que le interese?
Soy parte de una generación que, al principio, tenía fuentes de información muy limitadas, pero ahora con Internet y la globalización, tenemos más acceso a la información de oeste a este: la línea entre el arte 'alto' y el 'bajo' se ha convertido Un borroso e híbrido. Estoy en esta posición en este momento, y trato de reflejar lo que está sucediendo hoy a través de mis obras de arte.
One for All, All for One… .Vendido (vista detallada), 2014.
¿Cuánto influyó el hecho de crecer en Indonesia en la forma en que aborda sus perspectivas y su arte en general?
Creo que cada lugar o país tiene sus propias características que, conscientemente o no, darán forma a la característica del artista. Muchos factores en Indonesia, por ejemplo, el desarrollo físico desigual y la distribución del ingreso, la fricción de la tradición local y la cultura global en la era de la divulgación, y especialmente el desarrollo de la infraestructura artística, tienen un gran impacto en la formación de mi punto de vista y mi pensamiento general. . En particular, en relación con la infraestructura del arte visual, aunque no hay etapas o niveles de establecimiento de artistas y tampoco un apoyo gubernamental insuficiente, los artistas indonesios se sienten más motivados para pensar fuera de la caja y experimentar más.
Ya lo mencionó anteriormente, su residencia artística en Seúl es el punto crucial en su vida que le dio la convicción de ser un artista contemporáneo. ¿Cómo fue durante su tiempo allí, cómo le afectó la ciudad y en qué se diferencia de Indonesia?
En ese momento, Indonesia, especialmente Jogja ... la oportunidad como artista para hacer residencias artísticas en el extranjero era un gran y lujoso negocio. Esto se debe a que la recomendación y el vínculo eran muy raros de conseguir y difíciles de competir, incluso contra artistas muy establecidos. Para mí, este se convirtió en mi punto de partida que me convenció y motivó a seguir una carrera como artista.
Además de los artistas y sus obras, Seúl también me impresionó con el establecimiento de una infraestructura de arte visual que obtuvo el apoyo activo de sus sectores gubernamentales y privados. Realmente me abrió los ojos como artista. Mis obras y prácticas artísticas en ese momento estaban muy por detrás de lo que experimenté y vi allí, y me sentí aún más después de reunirme con el director de Leeum, Samsung Museum of Art.
Lo conocí con un compañero que estaba en la residencia conmigo. Primero le preguntó a mi amigo, que era de la India, de dónde era, e inmediatamente mencionó "Anish Kapoor" como un nombre familiar. Luego se volvió hacia mí para hacerme la misma pregunta, pero rápidamente se disculpó por no conocer a ningún artista indonesio familiar. Esto me quedó grabado y es una gran parte de por qué me esfuerzo por experimentar y destacar.
El panorama de los problemas universales, 2016
Cuéntanos más sobre tu trabajo dentro del colectivo de artistas indonesios punk rock Punkasila. No es la única banda en la que estás, ¿verdad?
Punkasila fue iniciado por Danius Kesminas (artista con sede en Melbourne) en su programa de residencia con Asia Link a través de la Fundación Cemeti Art en 2005. En ese momento, pensé que era solo un proyecto temporal, porque en primer lugar el objetivo era solo invitar y colaborar con varios artistas visuales (incluyéndome a mí) como parte de una banda de rock, que resultó en nuestro álbum 'Acronym Wars'. Pero luego continuó creciendo hasta convertirse en un colectivo de arte, que comenzó a invitar desde fuera del ámbito de las artes visuales. Ahora lleva funcionando 10 años.
Mis otros proyectos de música que se hicieron colectivamente con varios amigos son 'Black Ribbon' formado en 2004 explorando el ruido con grabadora analógica y sintetizador DIY; "Hengky Strawberry" se formó en 2007 capturando la próxima ola de música electrónica y cultura rave indonesia; ‘The Spectakuler’ se formó en 2010, que fue la colaboración de ‘Black Ribbon’ y ‘Demi Tuhan’ con Woto ‘Wok’ Wibowo; "Anusapatis" se formó en 2011 combinando una música electrónica y un estilo rápido de grindcore; y ‘N.E.W.S’ se formó en 2013, que es un grupo vocal que respondió al texto curatorial o cualquier texto difundido en la escena del arte.
Generación sobria, 2013
¿Cómo es el modo de trabajo para ti? ¿Es siempre diferente, según y la naturaleza del medio?
En realidad, mi método de trabajo es siempre el mismo. No hay diferencias entre los medios. Por lo general, comienza con una idea o noción, luego el concepto y, en la etapa final, la elección del medio. Cada tipo de medio tiene su propio valor político, y creo que la elección correcta del medio amplificará mejor los conceptos e ideas. Las diferencias en el método de trabajo pueden aparecer pero no por el medio diferente, sino por la participación variable de los demás, trabajando como artista individual o colectivo. Y cuando estoy trabajando como parte de un colectivo, hay pasos adicionales como la discusión grupal y el proceso compartido de toma de decisiones.
¿Es el humor una parte importante de tu trabajo?
Vivir en Indonesia bajo un gobierno que no gobierna con reciprocidad e impulsa un sistema social inestable, por supuesto, el humor se vuelve importante, especialmente para mí poder ver los problemas en la sociedad y comunicar mis ideas a mi audiencia.
Se sabe que prefiere tener su trabajo en espacios públicos y que cualquiera puede acceder a su trabajo. ¿Es eso importante para usted, permitirle a las personas una sensación de emoción, asombro y maravilla con el arte, sin la experiencia o la información que se les exige previamente?
Realmente no importa en realidad. Creo que cualquier persona con antecedentes tiene su propia forma de disfrutar una obra de arte, con o sin experiencia o información requerida. Esta es la emoción de los espacios públicos para mí, donde aparecerán perspectivas ricas e impredecibles. Para mí, también es importante que el arte cree nuevos espacios de negociación para el público.
Lucky Country Series # 2, 2013
Actualmente eres el embajador de la marca para la etiqueta de surf y streetwear Hurley International. ¿Es esta colaboración con Hurley algo que siempre quisiste hacer?
En realidad, también tengo mi propia línea de ropa y productos que comencé durante mi segundo año en la escuela de arte. Es parte de mi estrategia hacer que el arte sea más accesible para que pueda llegar a más personas. He estado colaborando desde entonces.
Con Hurley, tienen una sólida trayectoria en el apoyo a la escena de las artes visuales, y no hay intervención de su parte en mi proceso creativo. Más que eso, Hurley no solo usa mis obras de arte en sus productos, sino que también apoyan mis otros esfuerzos artísticos individual y colectivamente, como con Ace House.
Lo importante en el mundo del arte actual, especialmente en Indonesia, es explorar nuevas posibilidades fuera de la forma existente de las artes visuales y encontrar nuevas formas de difundir su mensaje.
¿Qué significa la belleza para ti? Por lo general, tiende a "colorear fuera de las líneas", haciendo que el trabajo sea desordenado o parezca incompleto. ¿Es el caos algo que te cautiva?
Siempre disfruto la forma de error intencional. Es como mostrar la limitación de nosotros como seres humanos. La belleza para mí no se trata del resultado perfecto, sino más bien del proceso de alcanzar esa perfección.
Flotador de la línea, 2016
¿Qué piensa sobre la expresión artística, la censura y el estado general de corrección política en el mundo en este momento?
La censura ni siquiera debería existir, además debería provenir de otras personas. Solo existe la consideración que proviene de nosotros mismos, incluso si es afectada por otro. Pero la decisión la tomamos nosotros y esa es la expresión artística.
Esta historia fue publicada por primera vez en Art Republik.
